Caroline Bouissou, "Plein soleil"

 

-Galerie le 22, Nice
                            -Roseraie du jardin du Monastère de Cimiez, Nice

 Une mémoire se forge au fur et à mesure que des sensations s’imprègnent en nous ou s'imposent dans un espace donné. Mais la mémoire est ondulatoire, fuyante et ne se résout à aucun cadre. De l'ordre du temps, elle se défie autant de l'espace qu'elle érode linéarité et pourtours, qu'elle malmène toute idée de forme même si elle ne cesse de balbutier des images. Infidèle de nature ou, pour citer le titre d'un poème de Jules Supervielle , « Oublieuse mémoire », elle s'ouvre à toutes les fables, elle est créatrice de mythes.

Difficile pour un plasticien de s'emparer de l'idée de mémoire sauf à la réduire à une exploration du passé. Caroline Bouissou joue sur un tout autre registre. La mémoire est un processus de connaissance et de reconnaissance qui défigure en même temps qu'il propose une hypothèse de figuration nouvelle. Comme écho déformé d'une réalité, elle est une fiction qui s'énonce dans un récit déconstruit. Aussi faut-il à l'artiste, multiplier mediums et supports, mêler humour et rêverie, science et poésie pour installer ce qui serait un lieu expérimental où se déclineraient les diverses potentialités de cette mémoire.

Qui ne connaît la Joconde ? Tout le monde possède la mémoire de cette peinture, pourtant chacun la restituera autrement. Caroline Bouissou demande à des gens de la dessiner de mémoire et chacun propose une image unique et déformée qui en dit davantage sur le regardeur que sur Mona Lisa. Ailleurs elle reprend cette même icône sur des dessins numériques réalisés à partir du mouvement de l'observation de l’œil de plusieurs regardeurs qui se confrontent à la réalité de l'image. Ainsi sommes-nous interrogés sur la réalité de l'image, son origine, sa fiabilité, son apparition et sa disparition. Et l'artiste ne peut être seule dans ce champ d'expérimentation.

L'exposition de la Galerie 22 s'intitule « Plein soleil ». Titre paradoxal quand on sait combien le soleil éclaire autant qu'il aveugle. Et cette Joconde ne serait-elle pas l'ombre de Jocaste quand Antigone guide Oedipe dans sa nuit ? Dans le poème de Supervielle précité se trouve ce vers :  « Pâle soleil d’oubli, lune de la mémoire . »  Il résonne d'autant plus ici que l'idée d'un soleil se découpe sur du grès en éléments mythologiques semblables à des runes ou à d'autres symboles renvoyant à ceux d'une civilisations hypothétique. Les pierres gravées de signes, qu'on suppose solaires, simulent une mémoire aux prises d'une expédition archéologique et les caisses qui les enferment ou leur servent de socle, sont comme les accessoires d'un film d'Indiana Jones. De l'humour, de la fantaisie et de l'image sur l'image...

Ailleurs, dans la roseraie du jardin du Monastère de Cimiez, Caroline Bouissou s'empare de nouveau de signes qui évoquent des rosaces et parfois des éléments de moucharabieh. "Observatoire", cette sculpture cinétique blanche modèle le lieu, joue sur les gammes de la transparence, crée des variations de lumières. Mais pour un monastère, on peut-y voir aussi l'image d'un claustra, d'une fenêtre alvéolée qui délimite l'intériorité et un extérieur quand cette frontière serait aussi un lieu de passage pour la lumière et l'illumination d'un jardin.

M.G

Agnès Vitani, "L'état des choses".

Galerie Eva Vautier, Nice

En quelques pages admirables, Georges Didi-Huberman évoque le regard comme l'expérimentation d' une errance, d' un va et vient qui saisit aussi bien l'espace que le temps : « Le regard va et vient. Ce qu'il attrape ici (ou maintenant), il le perd là-bas (ou juste avant, ou juste après). Pas de regard sans cette dialectique, pas de regard sans cette ce mouvement perpétuel, sans ce jeu incessant du qui-perd-gagne.(...) Toute nouvelle inflexion du regard me fait perdre de vue – et vouer à la mémoire, qui elle-même ne garde rien en l'état – l'inflexion précédente. » (in Blancs soucis)

Or la peinture est précisément ce lieu où le regard se construit en même temps qu'il s’interroge quand il se dépose en couleur dans  la toile sur le châssis. Or, cette peinture, il faut aussi l'expérimenter et la représenter dans sa face cachée, dans sa mémoire, son histoire, par les enjeux qui président à sa matérialisation . Il faut la traduire par son envers, il faut en retourner la peau. C'est alors un retour  à la source, à  l'atelier, là où l'expérience se conjugue à l'alchimie des matières et où un espace réel se mesure à l'aune d'un espace imaginaire. Ainsi Agnès Vitani ne cesse-t-elle de donner voix à cette peinture là, saisie dans sa seule extériorité, dans l'expérience du regard qui s'énonce  en se matérialisant.

Non pas que la peinture se réduirait à des formes ou à quelque système que se soit. Mais, saisie en son amont, celle-ci parle d'une histoire qu'elle ne cesse de se raconter à elle-même. Et de cet écart entre l'expérience et la fiction , la peinture peut se formuler autrement que par ses codes traditionnels

. C'est ce tour de passe-passe que réalise Agnès Vitani. Plutôt que de montrer de la « peinture de paysage », elle en énonce les signes, la circulation du regard qu'elle suppose, son support comme ses effacements. Elle en ausculte la mémoire et en exhibe les rebuts ou les excroissances. Tour à tour, le végétal et le biologique s’emparent de l'espace d'exposition en même temps que la couleur se fige sur l'objet qui fut à l'origine de l'expérience du regard, ne füt-ce que dans le traitement imposé à un bâton de ski ou à une chaussure. Car l'artiste exhibe ici un espace mouvant à l'instar d'une promenade dont elle décompose, en couleurs, jusqu'à l'extinction du blanc, le récit. On y verra donc un « nuancier de voyage », une couverture de survie empreinte des taches de l'atelier, et de la matière colorée, calcinée, refroidie, des échos météorologiques, des grilles de frigo et l'effet matériel d'une chaleur intense sur des plastiques, des feutres tordus ou broyés autour de fils de fer, des pigments ou du papier mâché.Les objets de la peinture sont présents, physiquement et n'ont plus besoin d'être peints.

La peinture est ici, littéralement, « exprimée ». Elle peut s'affranchir de ses formes, s'émanciper de toute figure. Elle est une expérience de vie à l'image même de la vie. Elle permet toutes les métamorphoses et ce sont celles-ci qu' Agnès Vitani nous donne à voir.

M.G

Gérald Panighi, "La vie est une fausse barbe qui se décolle de temps en temps"

Maison abandonnée (Villa Cameline), Nice

Il existe des œuvres que l'on considère différemment parce qu'elles suscitent un autre regard, qu’elles nous contraignent à réévaluer notre compréhension d'un monde asphyxié sous le poids des mythes, des masques, des attentes folles et des friches affectives. Gérald Panighi dessine en creux ce monde-là ; il en extirpe des loques de silence qui se veulent des mots, des lambeaux de phrases ou des espoirs morts jetés dans la vie comme des bouteilles à la mer sans espoir de retour.

Il y a la discrétion du texte, la modestie triste de l'image et ce fond un peu sale comme l'écran lointain d'un passé un peu rance dont la rancœur viendrait se déverser sur les rives du présent. Un fond d'une teinte sépia parsemée de taches, du papier arraché aux traces fragiles d'une histoire qui remonte par brides et dont les vagues s'éteignent. Ça traque une tendresse perdue, ça rit, ça grince, ça grimace et ça joue l'indifférence du silence.

Voici donc bien des rêves avortés à travers les poncifs des romans photos d'une autre époque ou ces images mythiques de héros de bande dessinée, tristes idoles d'une réalité déchue. Ce qui se joue ici c'est l'image d'une vie impossible et, son corollaire, l'impossibilité de l'image.

Gérald Panighi crée ce récit claudiquant dans le décalage du texte et de l'image, dans ce dialogue forcément mensonger. Il y a du Godard chez lui mais avec cette volonté de décrire les dialogues impossibles, l'intériorité des solitudes.

Des découpes de fiction se heurtent, épinglées au mur ou encadrées sous verre : On y voit une entomologie des sentiments dans le vaste  désert des images qui nous assaillent et des mots qui hurlent. Paradoxalement, c'est le silence qui résonne ici et cogne en nous pour nous rappeler les épaves oubliées de nos propres existences, nos feuilles mortes qu'on sème sans les voir, nos rêves trahis d'une autre vie dont il convient de ne ne plus même rêver le rêve.

Du 1 au 19 avril 2017